Une structure unique dans le système solaire : voilà ce qu’on découvert des chercheurs français à propos de Titan, cette lune de Saturne contenant une atmosphère de méthane et des océans formés du même gaz sous forme liquide. Le satellite presque aussi gros que Mars possèderait ainsi non seulement des saisons, mais également une structure atmosphérique semblable à celle de la Terre.

Titan photographiée par la sonde Cassini. Photo : Wikipédia

Dans un article publié en janvier dans la revue Nature, les chercheurs Benjamin Charnay et Sébastien Lebonnois, du Laboratoire de météorologie dynamique de l’Institut Pierre-Simon-Laplace des sciences de l’environnement, à Paris, expliquent avoir utilisé les données transmises par la sonde Cassini-Huygens lors de sa descente dans l’atmosphère de la lune, en 2005, pour simuler ce modèle atmosphérique hors du commun.

« Sur Terre, la couche limite, soit la couche atmosphérique située tout juste au-dessus de la surface, est influencée par le sol, et le réchauffement causé par le Soleil crée des turbulences qui, à leur tour, ont un impact important sur la météo terrestre », indique M. Charnay par courriel. Sur notre planète, donc, la majorité des nuages, par exemple, se formeraient dans cette couche qui s’élève de 500 mètres à trois kilomètres par rapport au niveau du sol.

Sur la lune de Saturne, toutefois, l’atmosphère opaque rend difficile toute observation directe de cette structure atmosphérique. « Pour étudier cette structure particulière de la couche limite, nous avons utilisé un modèle en trois dimensions de l’atmosphère de Titan. Le modèle est dérivé d’un modèle utilisé dans notre laboratoire pour étudier le climat terrestre », précise M. Charnay.

Cette structure sans précédent, ajoute le chercheur, contrôlerait la circulation atmosphérique et la vitesse des vents dans la basse atmosphère de Titan, une première dans l’étude de ce satellite, en plus d’expliquer la disposition de dunes situées sur l’équateur de la lune, et impliquer la formation de nuages de méthane et de diazote dans la basse atmosphère. Le diazote, qui compose la quasi-totalité de l’atmosphère de Titan, se retrouve également en importantes quantités sur Terre. En fait, il forme près de 80 pour cent de l’air que nous respirons, l’oxygène formant près des 20 pour cent restants.

Il ne faut cependant pas croire que si les structures atmosphériques terrestre et titanesque se ressemblent, il ferait bon vivre sur cette lune de Saturne. Non seulement la température y atteint-elle environ 94 degrés Kelvin, soit – 140 degrés Celsius en moyenne, mais si sont atmosphère contient elle aussi de l’azote, on n’y trouve pas de traces d’oxygène, du moins pas autant que sur Terre.

Au dire de Benjamin Charnay, toutefois, Titan possèderait son propre cycle des saisons, un phénomène observé par la sonde Cassini qui orbite autour de Saturne depuis 2004 et qui survole régulièrement Titan.

En fait, « Titan est vraiment un monde à part », souligne M. Charnay. L’atmosphère présente des similarités avec Vénus, soit une atmosphère opaque et des vents dans l’atmosphère assez semblables, mais également avec la Terre, grâce à son atmosphère essentiellement composée de diazote et la présence d’un cycle hydrologique. La lune de Saturne possède toutefois aussi des caractéristiques uniques, dont la chimie atmosphérique la plus complexe et sophistiquée du système solaire, un océan souterrain d’eau et d’ammoniac, des cryovolcans (des volcans projetant de la glace)… »

Avec la sonde Cassini qui continuera de survoler Titan jusqu’en 2017, les deux chercheurs devraient obtenir des données supplémentaires pour affiner leur modèle. Une proposition de mission a également été soumise à la NASA. Il s’agirait d’envoyer une sonde se poser sur l’un des lacs de méthane au pôle nord de Titan, pour une arriver vers 2022. « Cette sonde permettrait d’étudier la météorologie au-dessus des lacs de méthane et donc de préciser les résultats de notre étude pour les lacs », précise M. Charnay.

Le scientifique rappelle même que l’hypothèse d’une vie extraterrestre sur Titan a été émise. Cette forme de vie utiliserait le méthane et surtout le dihydrogène que contient l’atmosphère de Titan, un gaz qui aurait le même rôle que le dioxygène sur Terre. « Mais tout ceci reste purement spéculatif et très peu probable », conclut-il.

Si vous aviez décroché du groupe depuis Moon Safari, alors le Voyage dans la Lune est un bon moyen de renouer avec le duo français inventeur de la French Touch. AIR jongle ici avec l’expérimentation musicale dans une approche organique tout à fait légitime. Cette fois, le duo versaillais nous revient avec la bande sonore du film de Georges Méliès, Le Voyage dans la Lune… paru en 1902.

Pas besoin d’interminables présentations pour apprécier ce groupe de musique électronique. À contre courant avec le phénomène du dance de la fin des années 90, le duo s’est démarqué par l’usage de synthétiseurs anciens savamment mélangés aux couleurs jazz de la basse et du piano. Derrière les personnalités très inhibées de Jean-Benoit Dunckel et Nicolas Godin – ironiquement et respectivement mathématicien et architecte de formation –  est né en 1998 le phénomène de l’album culte Moon Safari; un album magnifiquement humain, mélange d’amour et de désir embrumé. Ils sont depuis l’un des groupes français les plus connus à l’étranger, au même titre que Justice, Phoenix et Daft Punk. Une esthétique musicale excessivement léchée, limite kitch, où les sentiments sont traduits par une synthèse organique et analogique des sons. AIR – Amour, Imagination, Rêve – ou une fascination pour le romantisme et la sensualité toute française.

Mais impossible de parler de la musique sans parler du film. Le Voyage dans la Lune est un film culte en France. Datant de 1902, on le décrit comme étant le premier blockbuster de l’histoire du cinéma. Outre Métropolis, le chef d’œuvre de Fritz Lang, on compare souvent le Voyage comme étant le premier film de science-fiction de l’histoire du cinéma. C’est aussi l’époque où les pellicules étaient coloriées à la main. Or, on croyait perdue à jamais une version particulière du film colorié de la main de Méliès jusqu’à ce que l’on découvre par hasard une bobine en état de décomposition avancée au début des années 2000. Il aura fallu plus de 10 ans d’attente technologique pour enfin restaurer l’œuvre par ordinateur, image par image. Le film devait ensuite être présenté en grande pompe au festival de Cannes de l’an dernier. Qui d’autre de mieux outillés qu’AIR pour assurer l’habillage sonore de ce film culte, mélange de magie, de théâtre d’ombres et de fête foraine?

En effet, de cet enregistrement résulte un film qui décrivait de façon saisissante le début de la modernité qui caractérisait son époque : une esthétique grandiose et étrange, quoique presque naïve, empruntée au monde imaginaire de Jules Verne. En ce sens, la musique de AIR était tout indiquée pour traduire l’organicité de la pellicule.

Pour Méliès, cet esthétique cinématographique relevait davantage du théâtre que du véritable cinéma. Les acteurs de l’époque sont surtout des comédiens de troupes de théâtre de rues triés sur le volet. Méliès était également réputé pour son usage du trompe-l’œil et des effets spéciaux. Ici, la musique d’AIR agit comme un écrin, conservant le potentiel éphémère d’un art qui se liait beaucoup avec la performance de scène. En ce sens, les pièces sont teintées d’un sentiment d’urgence, d’une organicité et d’une naïveté que nous n’avions pas perçu depuis les tout débuts du groupe. Le grand compositeur de musique de film Ennio Morricone comparait souvent la musique à l’architecture, où le compositeur, comme l’architecte, bâtirait dans l’espace. Le Voyage Dans la Lune résultait de l’esprit de Méliès. Le tour de force d’AIR est d’avoir su construire leur musique dans cet espace imaginaire, à la topographie unique.

Si les titres tels que Moon Fever et Homme Lune renvoient donc à une approche organique des sons, et aux harmonies romantiques d’une grande épopée, les titres comme Décollage ou Parade introduisent en revanche un usage soutenu des percussions dans le répertoire d’AIR. La Lune, c’est le roc, le minéral. Normal donc qu’elle y soit représenté par une sonorité brute et rythmée. En fait, il s’agit probablement ici de l’album aux sonorités les moins «léchées» que le duo nous a pondu jusqu’à présent. Et d’une certaine manière ce manque de polissage nous laisse tantôt euphorique, tantôt sur notre faim tout dépendant des pièces.

Mais dans tous les cas l’audace est au rendez-vous car certains morceaux sont teintés d’une sonorité propre à la musique live et paraissent carrément brut, cacophoniques, limite rock. C’est le cas de la superbe Sonic Armada dont la ligne de basse sous jacente devient obsédante une fois mélangée à un solo de mini Moog complètement endiablé, digne d’un R2D2 sur l’acide. L’orgue Solina caractéristique est bien présent et se superpose à une ligne mélodique traduisant le sentiment de légèreté du début du siècle. Cosmic Trip est également excessivement bien travaillée dans les moindres nuances de percussions électroniques. On est ici digne du «son AIR» bien rond que l’on connaissait.

La plupart des pièces sont des tableaux correspondant à l’univers sensoriel d’une scène particulière du film. Par exemple, l’arpège au piano de Décollage témoigne bien de l’euphorie caractéristique du début de l’ère industrielle. Malheureusement, certaines ambiances ne durent donc que quelques secondes. Certains titres de l’album par le fait même, eux aussi. La tonalité impose alors une certaine envolée lyrique au morceau, et puis plus rien! C’est dommage car on en redemande et ces pièces très courtes nous laissent grandement sur notre faim. Plusieurs bonne idées donc, mais rarement développées à leur juste valeur. Par exemple, Lava démarre sur un thème romantique admirable mais les choses se gâtent malheureusement après la première minute alors que le solo de cithare semble être artificiellement plaqué sur un thème qui n’en avait pas besoin…

Et si le film ne dure que 16 minutes – une éternité pour l’époque – c’est donc dire que le duo avait trop composé. Une fois le sentiment d’urgence passé, certains titres ont été bonifiés et tout le matériel requis était maintenant rassemblé pour former un album. Victoria Legrand du groupe Beach House et les demoiselles d’Au Revoir Simone sont venu prêter main forte. De leur collaboration est née deux pièces chantées. Who am I now ne possède pas d’harmonies, elle est monotone et plate, et ce d’une façon toute assumée. Ça lève davantage du côté de Seven Stars où on perçoit davantage l’esthétique brutaliste et sombre de l’album. La voix éthérée de Victoria Legrand y est pour quelque chose.

Bref, on en retiendra un album riche en sonorités expérimentales, dignes de faire avancer la musique électronique de son temps, mais dont le côté découpé et le manque de cohésion ne lui fera jamais dépasser le cap de la simple bande sonore. En retirant les pièces trop courtes et les collaborations quelque peu fades, il ne reste malheureusement que peu d’histoire à raconter. Mais ce qui y reste demeure d’excellente qualité, à ne point en douter. L’expérimentation, l’audace et la recherche stylistique sont à saluer. Mis à part 10 000 Hz Legends, AIR signe ici l’album le plus rock, noir et brut de sa carrière. D’excellents morceaux semblent sortir tout droit de l’espace, dans une célébration de la modernité, aux rythmes galactiques complètement déjantés. Le duo est toujours aussi rêveur. Du grand art.

Le Méliès Estate a donné la permission spéciale au label EMI de commercialiser le film en version restaurée avec la musique originale du groupe dans une édition de luxe strictement limitée à 70 000 exemplaires. Le tout sera disponible dès le 7 janvier sur support DVD ou par le biais exclusif d’iTunes.

Le Voyage dans la Lune, bande originale du film restauré de Georges Méliès (Astralwerks) – 4/5

Click here to view the video on YouTube.

Après une carrière en demi-teinte, François Hollande se place en tête des sondages à quelques semaines de l’élection présidentielle française. En 2012, le candidat du Parti Socialiste annonce «le changement». Zoom sur celui qui fait de l’ombre à Nicolas Sarkozy.

Photo : Mathieu Delmestre / Solfé Communications

Après avoir porté le désagréable surnom de Flamby, attribué par un confrère, François Hollande est désormais à 34% le candidat à la présidentielle 2012 que les Français ont choisi, selon un sondage BVA du 31 janvier. Pourtant, il y a quelques années encore, peu auraient parié sur son succès. Qualifié de «trop mou», «Monsieur petites blagues» ne s’est imposé sur le devant de la scène que récemment.

Après des études de droit, puis à Sciences-Po, HEC et l’ENA – un parcours talentueux et plutôt traditionnel pour les politiques français -, François Hollande intègre les rangs du Parti Socialiste. C’est à l’École Normale Supérieure qu’il rencontre celle qui sera sa compagne jusqu’en 2007, Ségolène Royal ; la candidate malheureuse face à Nicolas Sarkozy aux dernières présidentielles. Avec elle, Hollande aura quatre enfants.

En 1997, François Hollande prend la tête du Parti Socialiste en devenant son Premier Secrétaire à la suite de Lionel Jospin, ex Premier Ministre, qui le considère comme «le meilleur, le plus brillant et le plus politique». Hollande, l’homme gentil, blagueur, conservera cette fonction jusqu’en 2008, avant de céder la place à Martine Aubry. Il reviendra ensuite progressivement dans la vie politique avec la sortie de son livre Droit d’Inventaires, en 2009, puis son «contrat de changement» l’année suivante. Sa transformation s’accélère lorsque sa silhouette s’affine ; il se veut un homme «neuf», prêt à faire face aux primaires du Parti Socialiste, avant la présidentielle.

Un candidat viable pour le PS

Le retrait de Dominique Strauss-Kahn, enlisé dans l’affaire du Sofitel de New York, permet de faire d’Hollande le favori de cette campagne à gauche. En octobre 2011, il remporte le second tour de la primaire du parti contre Martine Aubry et devient ainsi le seul et unique candidat du Parti Socialiste.

Après quelques prises de positions, ici et là, François Hollande annonce son programme lors du meeting du 22 janvier au Bourget. Alors qu’on l’attendait comme opposant à Sarkozy, il va bien au-delà en précisant son désir de changement. Il se qualifie comme celui qui «porte l’obligation de gagner» et désigne son principal adversaire : «Il n’a pas de nom, pas de visage, pas de parti. Il ne présentera jamais sa candidature, il ne sera donc pas élu, et pourtant il gouverne : cet adversaire, c’est le monde de la finance.» Il prône ensuite de nombreuses mesures sociales, sur le logement, le droit de vote des étrangers ou encore le mariage homosexuel ; sans oublier sa volonté de créer, en cinq ans, 60000 postes dans l’éducation nationale. Un «discours de gauche», salué par Jean-Pierre Chevènement. En effet, conformément à ses origines historiques, le socialisme se veut être une réponse à la question sociale, avec un rôle de l’État dans l’accomplissement de cette aide, et où le profit sert à la redistribution.

Quelque soit sa position dans les sondages à 80 jours de l’élection, François Hollande n’oublie pas l’épisode inédit du 21 avril 2002. A l’époque, il est Premier Secrétaire du PS et soutien Lionel Jospin, le candidat de son parti, placé très largement en tête dans les sondages face au président sortant Jacques Chirac. Des socialistes trop confiants, des Français qui n’ont pas pris la peine de se déplacer jusqu’aux urnes… Le soir du premier tour, c’est le choc : Jean-Marie Le Pen, candidat d’extrême droite au Front National se retrouve au second tour face à Jacques Chirac. François Hollande se résigne alors à appeler à voter pour Chirac, de droite, et marque cette date au fer rouge. Avant l’Élysée, Hollande n’a qu’une chose en tête : le premier tour.

Both Ways Open Jaws est un disque bizarre; aussi bizarre, en fait, que le groupe derrière l’album, The Do. Originaire de France et de Finlande, ce groupe de musique établit à Paris verse dans le folk rock et la musique indie. Rien d’étonnant, alors, à ce que ce nouvel opus emporte les audiophiles dans un étrange voyage sonore mêlant styles, interprétations et inspirations.

On ne sait guère trop par quel extrémité aborder l’album. Certes, les plus malins d’entre vous souligneront que le disque est de toute façon circulaire, mais là n’est point la question. Le duo composé d’Olivia Merilahti et de Dan Levy – accompagnés de divers musiciens en fonction des albums – offre une épopée musicale hors de l’ordinaire, mais qui pourrait aussi en dérouter plus d’un.

Tout commence simplement avec une douce pièce pop, Dust if Off, qui permet d’apprécier la beauté de la voix fragile de la chanteuse. Saupoudrez d’un peu de musique électronique, de folk, d’indie-rock, de rock alternatif, et vous n’aurez à peine qu’un bref aperçu de la diversité des genres musicaux abordés ici par le groupe sur son troisième album.

À titre de comparaison, Both Ways Open Jaws pourrait sans problème se retrouver sur la bande sonore du film 500 Days of Summer. La musique caresse mais vient également surprendre – et ce très agréablement. Les arrangements ont également le pouvoir de déranger, de déboussoler.

The Do, avec ce troisième disque, offre un objet musical pas tout à fait identifié. Le genre d’album qui nécessite de nombreuses écoutes pour bien en saisir toutes les subtilités. Et on ne pourrait s’en plaindre.

Click here to view the video on YouTube.

Comment décrire Pater d’Alain Cavalier? Un peu déroutant, ce film en mode expérimental et intimiste nous fait entrer dans le quotidien de deux politiciens qui partagent convictions, repas et confidences. Pater est une œuvre où la politique et le jeu s’entrecroisent constamment, même si, au final, ce n’est pas tant la politique qui est au centre du récit.

Dans Pater, Cavalier est à la fois le réalisateur, l’acteur et le «filmeur», titre qu’il aime bien se donner. Il y interprète le Président de la république française, qui, au terme de son mandat, choisit son Premier Ministre (Vincent Lindon) afin d’élaborer une loi sur les salaires. Car tous deux partagent le même rêve de réconciliation entre « ceux qui n’ont pas grand-chose et ceux qui en ont un peu plus ». Mais les deux hommes finiront par ne pas s’entendre sur la question. Les deux collaborateurs deviendront rivaux malgré les liens qui les unissent, comme un fils qui s’émancipe de son père.

Déniché par l’équipe du Festival Cinemania lors de la dernière compétition à Cannes où il a été longuement ovationné,  Pater étonne. Différent, à mi-chemin entre le documentaire et la fiction, Pater est une œuvre intimiste au rythme lent, qui donne à voir les échanges entre un Président, son principal bras droit et quelques acolytes. Un film d’hommes, essentiellement, où il est question de relations père-fils, plus au sens figuré qu’au sens propre.

Tout au long du film, les scènes fictives sont entrecoupées de scènes où Cavalier et Lindon bavardent sans camper leurs personnages. Ils discutent quelquefois de leur façon d’aborder et de préparer la séquence suivante. De plus, protagonistes et acteurs partagent les mêmes prénoms. Tourné un peu à la manière d’un «documenteur»,  on ne sait pas toujours très bien où s’arrête ni où commence la fiction. Mais c’est peut-être ce qui fait le charme du film, finalement.

La réalité du cinéma

On entend souvent la voix hors champ de Cavalier qui commente, sans trop savoir si c’est le Président qui s’exprime ou alors le réalisateur qui présente la scène qui se déroule devant nos yeux. Caméra à l’épaule, Cavalier et Lindon se filment, souvent tous deux sur un même pied d’égalité, à la fois hommes, acteurs et faux politiciens. Telle une relation père-fils, la relation entre le Président et son Ministre et, par extension, entre Cavalier et Lindon, est bien tangible.

Il y a dans la manière de filmer d’Alain Cavalier quelque chose de vrai, de réaliste. La scène finale, où le Président qui a perdu ses élections tend à son successeur une épinglette qu’il gardait jalousement sur son veston, est très évocatrice. D’autant plus évocatrice que les deux hommes, qui se filment mutuellement, abordent la question de la réalité au cinéma, ce à quoi Lindon répondra en fin de compte: «c’est du cinéma, c’est vrai puisque c’est un film».

Click here to view the video on YouTube.

C’était soir de théâtre, jeudi, pour la nouvelle pièce présentée au Théâtre d’Aujourd’hui, Contre le temps. Dans ce drame politico-mathématique – oui, cela est possible -, toutes les pièces s’insèrent parfaitement les unes dans les autres, de l’écriture à la mise en scène, en passant par l’interprétation, pour créer 1h45 d’excellence scénique.

Photo : Valérie Remise

Évariste Galois, sans doute plus connu chez les mathématiciens pour sa spectaculaire percée dans le domaine de l’algèbre, est à quelques heures de sa libération, après avoir passé près d’un an en prison, puis dans une maison de santé pour ses propos républicains. Nous sommes à Paris, en 1832, et la royauté s’accroche comme elle peut au pouvoir, avec rafles et climat de suspicion à la clé. À travers ces troubles, un jeune homme, l’esprit perturbé par les équations qui lui traversent le crâne, déverse son trop-plein d’énergie dans un monde au bord de la dérive.

Sur la large scène du Théâtre d’Aujourd’hui, l’auteure Geneviève Billette et le metteur en scène René Richard Cyr ont rassemblé une équipe d’acteurs du tonnerre. Ceux-ci, Benoît Drouin-Germain en tête (magnifique de jeunesse et d’espoirs déçus en Évariste), offrent un mélange parfait de tragédie et de comédie, et cela dit sans cliché.

Si l’ensemble de la distribution mérite des éloges, soulignons particulièrement (outre Droui-Germain) le jeu de Benoit Gouin, en un étrange et fascinant Jean-Baptiste Fourier revenu sous forme de spectre pour jouer les « facilitateurs de circonstances », pourrait-on dire, ainsi que celui de Benoit McGinnis en Augustin, ami puis ennemi d’Évariste. Saluons également le jeu du jeune Émilien Néron en Alfred, le petit frère d’Évariste. Certains reconnaîtront Émilien Néron comme l’un des trois personnages principaux du film Monsieur Lazhar, de Philippe Falardeau.

Contre le temps fait rire, certes, mais dévoile également un monde où toutes les ambitions de la jeunesse sont permises, mais si peu se réalisent. Un monde où l’abstraction de l’esprit se heurte à la dure réalité de la vie, et où les rêves et les visions les plus fous viennent hélas se fracasser sur le marbre froid des circonstances.

Contre le temps, jouée au Théâtre d’Aujourd’hui, jusqu’au 3 décembre.

Voici Yann, un cuisinier de formation qui pêne à se faire remarquer dans le dur monde de la restauration. Voici Nadia, mère d’un enfant de neuf ans, qui tombe sous le charme de ce cuistot paumé. Ensemble, ils cherchent une façon de rendre leur vie meilleure, et pensent avoir trouvé en investissant dans un projet de restaurant en banlieue de Paris… jusqu’à ce que tout les ramène sur Terre, et même plus bas.

Une vie meilleure, le nouveau film de Cédric Kahn (coproduit par Denise Robert), nous guide tranquillement mais sûrement sur les traces de la dure réalité de la vie, de ses désespoirs et de ses rêves brisés. Le spectateur se voit peu à peu amené vers l’impasse, vers la souffrance, alors que le rêve de Yann se transforme en surendettement, en crise de ménage et en une disparition mystérieuse de Nadia, partie pour Montréal et ayant laissée son enfant derrière elle. La beauté du film se trouve justement dans cette façon de présenter la misère sans la rendre trop tragique. Kahn nous dirige pas à pas vers les épreuves, tout comme Yann (interprété par un Guillaume Canet surprenant) les prend comme elles viennent.

L’ambiance du film n’est ni lourde, ni étouffante. Au contraire, à travers l’angoisse ressentie pour ce couple à la dérive financière, Kahn réussit à créer un récit qui se tient, au propos juste et parfaitement ressenti par le spectateur. Il arrive même à nous faire sourire, tout particulièrement lors de l’hilarante scène de pêche entre Yann et Slimane (le fils de Nadia).

Bien que certains plans de caméra ne soient pas des plus soignés, les images du film restent pour le moins belles et intéressantes. Paris nous est montrée sous une autre lumière – celle de la pauvreté – et c’est très rafraichissant.

Bref, Une vie meilleure, malgré ses quelques longueurs et ses plans inutiles d’un Montréal froid et enneigé, reste un très bon film – un croisement entre drame familial, film d’ambiance et thriller. L’histoire de Yann est crédible et ne tombe jamais dans le mélodrame, ce qui aurait été facilement faisable avec les sujets abordés par Kahn dans son long-métrage. Une belle réussite.

Une vie meilleure sera présenté prochainement lors du festival de films Cinémania à Montréal.

Click here to view the video on YouTube.

Lors de leur toute première visite à Montréal en mars dernier, le groupe français Revolver a fait salle comble. Si vous n’avez pu assister à leur concert, ils sont de retour dans la métropole avec leur « pop de chambre » pour un soir seulement à la Sala Rossa.

Le groupe Revolver

Composé des Français Jérémie Arcache (violoncelle, voix), Ambroise Willaume (guitare, voix) et Christophe Musset (guitare, voix), le groupe Revolver réconcilie depuis 2006 des influences musicales très variées, qui vont de Leonard Cohen à Elliott Smith, en passant par des compositeurs plus classiques comme Haydn et Purcell. Ce mélange d’influences assez vaste marque leur premier album, paru ici en 2009, et intitulé Music for a While. Leur tournée nord-américaine les emmène en sol québécois ces jours-ci pour le plus grand plaisir de leurs nombreux fans.

Qualifiées de «pop de chambre» par les membres de la formation, les chansons du groupe sont majoritairement feutrées et dotées d’une instrumentation acoustique qui s’agrémente de violoncelle. On pourrait parler d’une musique folk aux accents de pop britannique, avec des harmonies qui évoquent autant les Beatles (qui ont inspirés le nom du groupe) que Haydn. Leurs mélodies sont langoureuses, romantiques et chaudes, et leurs refrains accrocheurs. Bien que l’anglais ne soit pas leur langue natale, l’interprétation ne souffre pas d’un accent à couper au couteau comme c’est souvent le cas avec les chanteurs originaires de France qui optent pour la langue de Shakespeare.

En plus de la dizaine de chansons tirées de Music for a While, le groupe devrait également nous servir quelques pièces inédites lors du spectacle, puisqu’ils sont présentement en train de préparer un deuxième album dont la parution est prévue pour février 2012. Ne manquez pas la chance de découvrir l’univers musical unique de Revolver, qui ne donnera qu’un seul spectacle à la Sala Rossa de Montréal.

Revolver
17 octobre 2011, 20h30
Sala Rossa
4848 Boulevard St-Laurent
Montréal
(514) 284-0122

L’Assemblée des Premières nations du Québec et du Labrador (APNQL) a publié vendredi une lettre ouverte invitant le gouvernement libéral et le premier ministre Jean Charest à mettre sur pied l’équivalent d’un « Plan Sud » pour assurer la prospérité du sud de la province et plus particulièrement de la région métropolitaine de Montréal. L’APNQL en profite également pour fustiger M. Charest concernant sa visite en France, où il a tenté de vendre le nord du Québec et ses ressources minières aux entreprises de l’Hexagone.

Jean Charest (centre) en compagnie de son homologue français François Fillon (gauche)

Se disant « scandalisées » et « insultées » par l’attitude des premiers ministres Fillon et Charest concernant la promotion des ressources largement inexploitées du Nord québécois, les Premières nations tiennent à rappeler, par voie de communiqué, que si les municipalités sont des créations du gouvernement provincial, il en est tout autrement des Premières nations.

L’Assemblée veut donc profiter de la poursuite du voyage européen de Jean Charest pour rappeler au gouvernement que les territoires du Nord ne sont pas vides de toute population, et que l’État québécois a des responsabilités envers les peuples qui l’habite. L’APNQL souligne également qu’en vertu de la Déclaration des Nations unies sur les droits des peuples autochtones, le Québec doit consulter et accommoder ces peuples sur des bases qui ne sont pas celles applicables aux municipalités.

Au dire de Ghislan Picard, chef de l’Assemblée, des questions importantes doivent trouver réponse dans le sud du Québec, plus précisément dans la région métropolitaine, avant que le Nord puisse être développé en accord avec les droits des peuples autochtones. Pour M. Picard, le premier ministre Charest est au coeur d’une véritable crise en ce qui concerne le dossier de la collusion et de la corruption, et ce sujet doit être approfondi avant de passer à toute autre chose.

Ce « grand ménage » pourrait ainsi être assimilé à un « Plan Sud » québécois, en opposition aux grandes promesses de développement industriel au nord.

L’APNQL n’est d’ailleurs pas la première à suggérer un « Plan Sud »; Québec solidaire appelle pour sa part à d’importants investissements (1,2 milliard $ annuellement) dans les transports en commun de la métropole, en plus de mettre sur pied un important programme de rénovation des bâtiments pour en améliorer l’efficacité énergétique, et de favoriser le développement de l’énergie éolienne.

Le Conference Board du Canada, estime que ce « Plan Sud » doit représenter la « renaissance » de Montréal afin d’y favoriser l’efficacité économique, la vigueur commerciale et la bonne entente entre la ville-centre et les 82 membres de la Communauté métropolitaine de Montréal (CMM). Pour Mario Lefebvre, directeur du Centre des études municipales du Conference Board, la consultation publique que mène cet automne la CMM tombe à point pour jeter les bases de cette « renaissance ».

« Manu est Français. Manu a 20 ans. Manu n’a rien, mais veut plus », déclame le communiqué qui accompagne Québec aller simple, un roman semi-autobiographique de Pascal Millet publié dans la collection Romanichels des Éditions XYZ. Roman du voyage sans trop se déplacer, roman initiatique sans véritable catharsis, mais aussi roman vrai pour une génération qui, déjà, avait perdu l’espoir d’une vie meilleure. De par l’histoire de ce jeune adulte qui tente de refaire sa vie dans les contrées sauvages de la Côte-Nord québécoise, l’auteur examine la question des racines trop courtes (ou trop tordues), et qui ne peuvent offrir une vie meilleure à une nouvelle bordée de personnes désireuses de changer le monde.

Désoeuvré après un voyage aux États-Unis où il aura exercé ses talents de photojournaliste, Manu décide de faire un saut par le Québec et ses neiges quasi-éternelles avant de rentrer en France. Charmé par le froid et l’immensité de la Côte-Nord, il y connaîtra la vie, la vraie, une vie de petits boulots, de petites joies, de petites peines, mais aussi de grandes révélations sur le sens de la vie, sur la nécessité de ne plus attendre des réponses toutes faites, mais plutôt de les déterminer soi-même, sans l’aide des autres.

Présenté tout d’abord comme un roman du voyage, celui d’une grande quête identitaire, Québec aller simple perd un peu de son souffle, alors que le protagoniste multiplie les allers-retours entre la France où il tente tant bien que mal de se faire une vie, et le Québec, où il vivote avec deux ou trois boulots manuels et où il accumule les relations sans lendemain. Il y a quelque chose de désespérément réaliste dans ce roman, quelque chose qui, si cela vous donnait envie de partir en première partie, vient inéluctablement briser vos espoirs en seconde moitié.

Québec aller simple laisse un goût amer en bouche à la suite de la lecture. Un petit soupçon de déprime qui colle bien à l’époque actuelle, même si 30 ans se sont écoulés depuis les faits racontés dans le roman. La lecture en est toutefois nécessaire, car il est faux de prétendre que tout va toujours bien dans le meilleur des mondes, et que les problèmes peuvent être oubliés ou réglés en partant à 5000 km de distance.

Québec aller simple, 318p.

Collection Romanichels, éditions XYZ