@Brindegazon

Le compositeur italien Ludovico Einaudi et son ensemble de musiciens se sont arrêtés à la salle Pierre-Mercure jeudi dernier, pour faire entendre les pièces de son plus récent album In a Time Lapse. Les pièces étant jouées une à la suite de l’autre tels quatorze chapitres d’une même histoire, le concert aura duré près de deux heures sans entracte, incluant deux rappels.

Ludovico Einaudi

Ayant vendu plus d’un million d’albums durant sa carrière et sa musique ayant fait partie de plusieurs trames sonores de films à succès (pensons au film Intouchables), ce compositeur originaire de Turin est déjà bien connu du public. L’accueil reçu au centre Pierre-Péladeau en est d’ailleurs un parfait exemple.

Tout au long du concert, des mélodies envoûtantes défilent, tantôt douces, tantôt houleuses, accompagnées du grondement d’une grosse caisse et d’une section de cordes. Une utilisation intéressante de l’éclairage ajoutait à la prestation, en créant une ambiance méditative.

Si une première écoute de l’album de Ludovico Einaudi rappelle la trame sonore de Moon, que l’on doit au compositeur Clint Mansell, le concert donne une tout autre impression. Les mêmes paysages imaginaires défilent et font voyager le public, mais le son est différent, plus riche. On est maintenant loin de la froideur chirurgicale des paysages sélènes de Mansell. Ici, on voyage plutôt vers la savane, on est pris sous l’orage ou bien on admire des couchers de soleil flamboyants et tout prend alors une teinte chaude et enveloppante.

La prestation s’est conclue sous un tonnerre d’applaudissements, laissant plus penser à un concert rock qu’à une prestation instrumentale. Le compositeur ainsi que les musiciens de l’ensemble, qui semblaient presque surpris de l’enthousiasme du public, ont donné deux rappels, faisant le bonheur des gens dans la salle. Ludovico Einaudi et ses musiciens repartent pour les États-Unis avant de revenir compléter leur tournée canadienne au Chan Shun Centre de Vancouver, le 25 mai prochain.

@HugoPrevost

Huit ans. Ou est-ce plutôt 12 années? Huit ans, approximativement, que le duo français de musique électronique Daft Punk n’avait pas publié d’album « officiel », avec Human After All, sorti en 2005. Ou 12 années, pour ceux qui rejettent cet opus, et qui lui préfèrent le mythique Discovery, paru en… 2001. Après une très longue attente, donc, les deux hommes aux célèbres casques reviennent à la charge avec Random Access Memories, que Guy-Manuel de Homem-Christo et Thomas Bangalter veulent être un retour aux sources de leur art, un plongeon dans les glorieuses années de la musique analogique.

La pochette de l’album

Au fil des ans, Daft Punk s’est créé une réputation de groupe séparé des autres joueurs du milieu. Par cette obstination à ne plus accorder d’entrevues sans que les deux comparses soient gantés et casqués, tout d’abord, mais aussi en raison de leur propension à faire abstraction des contraintes du monde extérieur – certains diront qu’ils profitent de leur statut de groupe idolâtré pour se débarrasser de la nécessité de produire des disques sur une base régulière.

Quoiqu’on en dise, il est toutefois impossible de faire abstraction d’une chose: Daft Punk est encore extrêmement populaire, et la quasi-absence totale du duo sur les scènes depuis leur phénoménale tournée mondiale Alive, en 2007, n’a peu ou pas entamé leur visibilité et leur attrait.

Leur implication dans la création de la bande sonore du film Tron Legacy, en 2010, en aura laissé plusieurs sur leur faim, et Daft Punk a d’ailleurs soigneusement pris la peine d’indiquer qu’il ne s’agissait pas d’un « véritable » album. Retour à la case départ, donc. Et nouvelle période d’attente.

Surviennent les premières rumeurs concernant Random Access Memories; il n’en fallait pas plus pour que la machine s’emballe, et que quantité d’amateurs et de musiciens s’en donnent à coeur joie, remixs et versions imaginées à l’appui. Les quelques secondes de la pièce Get Lucky présentées sous forme d’une courte publicité pendant un épisode de Saturday Night Live ont mené à l’apparition d’un nombre incalculable de reprises sur YouTube. Et le duo a joyeusement surfé sur la vague.

Voilà peut-être la plus grande force de Daft Punk: faire marcher la machine à idées. Mais qu’en est-il de ce nouvel opus tant attendu? De quelle façon Random Access Memories tient-il la route après près d’une décennie d’attente et d’espoirs?

Le disque détonne, en fait. On y retrouve certes l’influence Daft Punk, mais le duo cède bien davantage l’espace créatif aux collaborateurs dont les deux musiciens français se sont entourés pour l’occasion. On ressort les vrais instruments, on délaisse les sons artificiels pour se concentrer sur l’analogique, la musique créée à la main, et non pas par un quelconque programme informatique.

En voulant célébrer l’environnement sonore qui a pavé la voie à ses précédents albums et à toute une génération de musique électronique, Daft Punk va cependant un peu trop loin. Disparue la véritable atmosphère dansante des précédents disques; Random Access Memories ressemble bien davantage à une étude de cas, à un devoir exigé par un maître pointilleux, qu’un passeport pour une fête endiablée sur les planchers de danse.

Impossible, donc, d’écouter Random Access Memories en s’attendant à entendre de nouveau Homework, Discovery, ou, surtout, Alive 2007. Le nouvel opus est plus méditatif, plus instropectif, portant plus à réflexion. On n’imagine plus la spectaculaire pyramide de néons de la dernière tournée, mais plutôt une fête de fin d’après-midi, une ambiance lounge.

Random Access Memories plaira aux puristes. Le traitement de certaines pièces, dont Giorgio by Moroder, qui met en vedette le célèbre pionnier de l’électronique du même nom, permet de s’éloigner grandement du boom boom de la musique de club qui empoisonne malheureusement les ondes radio, de nos jours. Il y a bien sûr Get Lucky, aux paroles plutôt pauvres, mais qui se transforme en un redoutable ver d’oreille.

Difficile de véritablement classer ce disque qui atterrira dans les bacs en début de semaine prochaine, mais qui a fuité sur le web plus tôt cette semaine. On sautera volontiers certaines pièces peut-être jugées trop ordinaires, ou qui donnent l’impression que Daft Punk n’a pas voulu trop en mettre. D’autres chansons, comme l’extraordinaire Contact, en fin d’album, rappellent cependant que les deux frenchies ont tout sauf dilapidé leur talent.

Demi-déception? Demi-renouveau? Demi-découverte? On attendra l’éventuelle tournée pour se faire une véritable idée. En attendant, Daft Punk continue de surprendre.

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@PieuvrePointCa

L’art public sera désormais plus accessible sur le territoire métropolitain; Tourisme Montréal a en effet lancé jeudi une carte intitulée Plus de 100 oeuvres d’art public à Montréal – 5 circuit découverte afin de favoriser l’exploration du patrimoine artistique municipal. Selon l’organisme, cette initiative vise à faire découvrir ce qui est considéfér comme un témoignage de la diversité d’expression des artistes d’ici et d’ailleurs.

La murale de la Place des Arts, l’une des nombreuses oeuvres d’art public à Montréal. Photo: STM

S’exprimant par voie de communiqué, Tourisme Montréal, la carte propose cinq trajets distincts qui « racontent l’histoire de Montréal et révèlent la richesse culturelle et la créativité qui animent la ville », et ce en présentant une sélection d’oeuvres effectuée au sein d’un bassin de plus de 1000 œuvres provenant de la collection de la Ville de Montréal, de la Société de transport de Montréal, de collectionneurs privés, de grandes entreprises ou d’institutions publiques.

« À l’instar des grandes villes nord-américaines, telles que Philadelphie et Chicago, nous présentons un outil pratique pour faire connaître la beauté et l’originalité de notre collection d’œuvres d’art public aux Montréalais et aux touristes. Cette initiative s’inscrit dans notre Cadre d’intervention en art public et démontre, une fois de plus, notre volonté ferme de faire de Montréal une destination incontournable en art public. C’est un geste de plus pour concrétiser le titre de Montréal, métropole culturelle à l’échelle internationale », a déclaré Élaine Ayotte, responsble de la culture, du patrimoine et du design au comité exécutif de la Ville de Montréal.

Morcelée en cinq circuits, la carte d’art public permet aux gens de découvrir un certain nombre d’œuvres, en fonction de leurs intérêts, du temps dont ils disposent et des endroits qu’ils visitent. Chacun des circuits est rattaché à un secteur géographique particulier. « Les amateurs d’art sont donc tour à tour invités à découvrir le Quartier des spectacles, le quartier du Musée des beaux-arts de Montréal, le centre-ville, le parc Jean-Drapeau et le Vieux-Montréal », précise Tourisme Montréal.

Les circuits sont par ailleurs développés autour d’une institution muséale, afin de suscite davantage d’intérêt pour les oeuvres situées dans l’espace public, tout en profitant d’une visite au musée, plaide-t-on par voie de communiqué.

Réalisée par Tourisme Montréal, la Ville de Montréal et le ministère de la Culture et des Communications du Québec, dans le cadre de l’Entente sur le développement culturel de Montréal, cette carte sera disponible gratuitement en français et en anglais à différents endroits à travers la ville, dont la Vitrine culturelle, les centres Infotouristes, les musées en lien avec les différents circuits et le réseau des Bibliothèques de la Ville de Montréal.

Deux travailleurs agricoles, M. Chapeau et M. Foulard, se retrouvent côte à côte dans un champ. Plantés au milieu d’une terre aride, ils décident après quelques hésitations de s’adresser la parole.  La banalité de la vie laissera place à une rencontre humaine marquante, où deux hommes tenteront de donner sens à leur existence.

L’affiche du spectacle

Si le silence est brisé rapidement, la communication entre M. Chapeau et M. Foulard n’est cependant pas simple. Tous deux peinent à trouver les mots justes pour exprimer leurs émotions. Prisonniers de leur vocabulaire limité, ils tentent d’ignorer la quête de sens qui naît en eux.  Les sujets futiles se révèlent une alternative efficace pour escamoter toute conversation sur le sens de la vie. Ainsi, la présence d’un chat errant ou la course d’un lièvre dans un champ voisin s’avèrent d’excellents écrans de fumée. Mais pour un temps seulement, car rapidement l’humain est rattrapé par son désir de comprendre qui il est et ce qu’il fait sur cette terre.

Le premier, bon père de famille, qui semblait vivre dans un monde de certitudes se fait précipiter dans un univers de questionnement par le second, un être mystérieux dont on ne saura finalement pas grand-chose. Leur quête les amènera à se découvrir et à développer une surprenante affection l’un pour l’autre. Jusqu’au moment où ils se retrouveront séparés.

Les deux personnages sont plantés sur une scène recouverte d’une sorte de terreau granuleux et de vieilles racines. L’odeur de cette mixture végétale vient remplir les narines du public dès son entrée dans la jolie salle de l’Espace La Risée.

Si les prémisses de la pièce et ses thèmes laissent présager d’une œuvre fascinante par sa capacité à faire réfléchir le spectateur, ce n’est malheureusement pas le cas. Le texte brouillon combiné à des effets de répétitions excessifs contribue à donner le tournis à ceux qui observent le duo en action. Ce qu’on nous présente comme une fable poétique à saveur philosophique se transforme en un profond bourbier que même les personnages munis de bottes ne peuvent fuir.

Le récit comporte plusieurs faiblesses, mais il reste qu’on apprécie les moments passés en compagnie de M.Chapeau et M.Foulard. Leur authenticité est attachante et le talent de ceux qui leur donnent vie est sans conteste. La mise en scène d’Émilie Sigouin est aussi efficace, malgré sa simplicité.

Son

Une pièce expérimentale, intitulée Son, est présentée au public en première partie. Ce hors-d’œuvre théâtral met en scène un barman qu’on imagine en train de préparer sa soirée. Il sort des bouteilles de bières et de spiritueux en les cognant bruyamment. Le même sort est réservé à de nombreux verres qui s’entrechoquent l’un contre l’autre. Une trame sonore où l’on entend les mêmes bruits est jouée en parallèle, ce qui provoque un chaos sonore complet. Tout à coup, un deuxième protagoniste se présente sur scène. Celui-ci danse au rythme des sons qui l’entourent. Les deux personnages communiquent entre eux à leur manière, l’un en dansant, l’autre grâce à sa musique. Le récit est une œuvre fantaisiste originale qui laisse une grande place à l’imaginaire.

En trois ans, Montréal Complètement Cirque a réussi à s’imposer comme une référence mondiale sur la scène circassienne internationale. Cette année encore, le festival a réuni à Montréal le meilleur du cirque dans une programmation variée aux multiples expériences. Cette nouvelle édition se déroulera du 3 au 14 juillet et proposera 14 spectacles en salle de compagnies du monde entier. Sur ce nombre, cinq sont de nouvelles créations québécoises. Voici un petit tour d’horizon de la programmation.

Photo: Alexandre Galliez

-Un plus pour les cabarets excentriques: le Music-hall de la Baronne est cette année le spectacle d’ouverture, qui jouera à l’Olympia, quartier général du festival. Cette création du festival avec le Cirque Éloïze rassemble dans un spectacle cabaret des prestations impressionnantes et décalées. Placé sous la direction de Jeannot Painchaud, ce spectacle célèbre en même temps les 20 ans du Cirque Éloïze.

-Un plus pour les spectacles poétiques, mais accessibles: David Dimitri fait son cirque à lui tout seul. Son spectacle l’Homme-Cirque présente un univers comique où cet artiste réalise tous ses numéros en solo: il est à la fois acrobate, musicien, homme-canon et grand funambule. Ce spectacle sera joué sous un petit chapiteau, à la Tohu.

-Un plus pour les nouveaux spectacles: la nouvelle compagnie de Québec Flip FabriQue présentera son spectacle Attrape-moi. Ces six artistes qui ont chacun un bon bagage technique se sont rassemblés pour créer un spectacle aux allures de party au chalet qui promet d’être intense. Également, le Cirque Céant, composé de finissants de l’École Nationale de Cirque, jouera leur spectacle Croisé, fruit de leur travail collectif et de leur recherche, qui avait été présenté à l’automne dernier à la Tohu.

- Désir de réconciliation avec des clowns: le festival propose cette année le défi clown, en proposant trois spectacles de clowns complètement différents les uns des autres. Cet été sera l’occasion de voir entre autres la clown de renommée internationale Arletti, qui livre une performance avec un humour très travaillé et poétique.

-En faveur d’un spectacle d’une grande compagnie internationale: la troupe Circa revient à Montréal après avoir joué Circa et Wünderkammer. Cette année, ils présenteront leur nouvelle création S, qui reste fidèle à leur humour grinçant auquel se mélangent acrobatie, danse et contorsion.

-En faveur de surprises et de spectacles inattendus: fidèle depuis la première édition du festival, l’Impro-Cirque donne des défis à deux équipes qui livrent des performances improvisées et uniques. Cette année, un groupe de musique en direct sera ajouté, les Wonder-Trois-Quatre, qui improviseront aussi sur des rythmes allant du jazz au hip-hop en passant par le rock.

Retrouvez la programmation complète du festival sur leur site web. En plus de tous ces spectacles en salle, de nombreuses activités gratuites, qui se dérouleront dans toute la ville, seront ajoutées un peu plus tard. Les billets sont déjà en vente, avec cette année encore un passeport qui permet de voir tous les spectacles pour seulement 14 $.

Du 29 mai au 2 juin, Mutek lancera les festivals de la période estivale en proposant pas moins de 76 projets, dont 35 premières. Les artistes les plus influents de la scène électronique seront rassemblés dans tout le quartier des spectacles pour présenter leurs projets mélangeant différents styles de musique électronique et projections visuelles.

Photo: Alexandre Galliez

Le festival s’articule toujours autour des mêmes événements:

• La série Expérience laisse la place aux talents locaux pour permettre au public de découvrir les nouveaux talents de cette scène musicale. Cette année, cette série sera présentée dans le quartier général du festival, le 2-22 au coin Sainte-Catherine et St Laurent

• La série A/Vision propose une expérience immersive en mélangeant éléments sonores et visuels grâce à des collaborations d’artistes locaux et internationaux. Cette série est diffusée au Monument National.

• La série Nocturne rassemble les soirées phares du festival en présentant les artistes influents du milieu. Cette série est présentée à la fois au Métropolis et à la Société des Arts Technologiques: avec un billet, les festivaliers peuvent accéder aux deux salles.

• La série Play présente les artistes d’avant-garde et aux explorations électro-acoustiques et à la scène expérimentale. Cette série se déroulera au Monument national

Le spectacle d’ouverture sera l’occasion à Matthew Herbert de revenir à Montréal après plus de cinq ans d’absence pour présenter son projet One Pig. L’artiste est un spectacle qui s’intéresse à la vie d’un cochon, de sa naissance à sa cuisson. Sur scène, il sera accompagné par le chef québécois Martin Juneau pour la préparation live: un spectacle visuel, sonore et olfactif !

Le montréalais Herman Kolgen présentera son projet Train Fragment dans le cadre de la série A/Vision. Ce projet est inspiré d’une œuvre de Steve Reich, l’un des pionniers de la musique minimaliste. Le festival va également rassembler des artistes internationaux comme Andy Stott, Nosaj Thing, Onra, Micheal Mayer, etc. Poirier présentera également la première performance live de son nouveau projet Boundary (plus d’information dans notre article précédent).

Pour la première fois cette année, Mutek profitera de la nouvelle Maison symphonique, pour présenter un mélange des genres grâce entre autres au pianiste norvégien Bugge Wesseltoft et l’allemand Henrik Schwarz. Le festival a également ajouté un élément à sa programmation pour souligner les 15 ans du festival allemand CTM, qui mettra à l’honneur la musique minimale de Stiebler au Centre Phi.

Pour clôturer ces cinq jours de festival, Mutek présentera encore deux gros projets après son traditionnel Piknic. Borderland de Juan Atkins et Mortiz von Oswald sera présenté au public avant même la sortie de l’album, et Matthew Herbert proposera cette fois-ci son projet The End Of Silence, inspiré d’une photographie de guerre prise en Libye.

Nul doute que cette édition sera rassembler un public nombreux à la vue de la grande qualité des artistes et projets proposés. Retrouvez la programmation complète du festival sur leur site: www.mutek.org. Les billets sont déjà en vente, ne manquez pas l’occasion de faire de belles découvertes.

@HugoPrevost

Mitraillettes, alcool et feutres mous; le célèbre auteur de romans policiers et de thrillers Dennis Lehane reprend son bâton de pèlerin littéraire et livre Ils vivent la nuit, une nouvelle oeuvre trouvant son origine dans sa ville fétiche de Boston. Pas question cette fois, cependant, des détectives privés Patrick Kenzie et Angie Gennaro. Lehane installe plutôt son intrigue en pleine Prohibition, alors que Joe Coughlin passera du statut de petite frappe à celui de caïd. avec des meurtres à la clé, bien sûr.

La couverture du livre

Coincé dans une sombre histoire de vol à main armée qui entraînera la mort de deux policiers, sous pression de la part de son père, policier bien connu, Coughlin se retrouve dans un pénitencier sinistre où il devra retourner sa veste à plusieurs reprises afin de survivre. Une fois dehors, direction la Floride: le boss, Maso Pescatore, lui confie les rênes de l’opération à Ybor, tout près de Tampa Bay.

Au programme, une fois sur place: extorsion, assassinats, pots-de-vin… bref, le menu habituel pour des gangsters. L’auteur met d’ailleurs en place un dilemme moral intéressant pour son personnage principal: est-il un vulgaire criminel, ou un gangster, un statut considéré comme supérieur par Coughlin? Ce dernier traversera ainsi, au fil des ans, plusieurs périodes de remise en question où il s’interrogera sur sa responsabilité par rapport à la misère entraînée par certaines de ses activités. S’il sait que certains de ses hommes favorisent le développement de la prostitution, voire du trafic de drogue, doit-il intervenir ou plutôt fermer les yeux? Après tout, son compas moral semble déjà déréglé, lui qui refuse de « vivre le jour » et d’obéir aux règles normales de la société.

Et pourtant… et pourtant, Coughlin collabore aux bonnes oeuvres, finance la construction d’hôpitaux… Lehane semble cependant quelque peu renâcler à véritablement développer la psychologie de son personnage. Les années filent à grande vitesse, et la profondeur du récit semble en pâtir. L’auteur de Gone, Baby, Gone, ou encore de Mystic River n’a cependant pas perdu de sa superbe, et plusieurs passages nous replongent sans crier gare dans un climat d’horreur et de violence insensée, témoignage sanglant de la folie des hommes.

Si le récit est rapidement accrocheur, le ton est, lui, quelque peu inégal. Lehane nous a habitué à des histoires poignantes, déchirantes, voire déprimantes. Qui n’a pas oublié l’adolescent abattu par Kenzie dans Un dernier verre avant la guerre? Dans Ils vivent la nuit, Lehane s’adonne plutôt à la chronique criminelle, un genre de Goodfellas littéraire. Certainement pas mauvais, mais pas excessivement inspirant, malheureusement.

Ils vivent la nuit, de Dennis Lehane, paru aux éditions Rivages, 525 pages.

@HugoPrevost

Place à la littérature, alors qu’étaient annoncés, lundi, les lauréats du volet adultes de la 20e édition du Prix des libraires du Québec, ainsi que la composition de la liste préliminaire du Prix jeunesse. Si, du côté des plus vieux, Éric Dupont et Patrick Dewitt ont déjà reçu les honneurs, chez les plus jeunes, l’identité des six gagnants ne sera connue qu’en septembre, à l’occasion du Festival international de la littérature.

Éric Dupont a remporté les honneurs du Prix des libraires 2013

L’auteur québécois Éric Dupont s’est ainsi mérité le prix destiné aux écrivains de la province pour son oeuvre La Fiancée américaine. Le livre, publié aux Éditions Marchand, est qualifié de « magistral » par le comité de sélection. Billy Robinson, de la Coopsco Saint-Foy à Québec, s’exprime d’ailleurs en ces mots: « Brodé avec doigté par un Éric Dupont au sommet de son art, cet ambitieux roman et grandiose récit dévoile une galerie de personnages plus grands que nature. L’émotion nous saisit à la lecture de ces petits et grands drames, mais on sourit aussi à plus d’une reprise. »

« Tant qu’il y aura des libraires, il y aura des histoires. Au nom de tous ceux qui m’ont aidé à écrire La Fiancée américaine, de tous ceux qui y ont cru assez pour m’accorder leur temps et leur assistance, je vous remercie du fond du coeur », a rétorqué l’auteur.

Le prix est d’ailleurs accompagné d’une bourse de 2000 $ remise par le Conseil des arts et des lettres du Québec.

M. Dupont a également déjà été honoré dans le cadre du Prix littéraire des collégiens, où son roman a été couronné meilleur roman de l’année.

Du côté des auteurs hors Québec, la palme est revenue à Patrick Dewitt, pour son livre Les frères Sisters, publié aux Éditions Alto.

« Les mésaventures d’Eli et Charlie Sisters, tueurs à gages dans le Far West américain, sont agréablement déroutantes! Plonger dans cet univers ludique et rafraîchissant est un véritable passeport pour l’aventure. Soyez prévenus: une fois ouvert, vous ne pourrez décrocher de ce roman truculent et audacieux », affirme M. Robinson.

Surpris et ému, l’auteur a déclaré: « Un libraire passionné est une personne qui peut influencer et enrichir votre vie de manière très honnête et concrète. C’est pour cette raison, parmi d’autres, que je suis particulièrement heureux et honoré de voir mon roman récompensé par le Prix des libraires du Québec. »

En ce qui concerne le Prix jeunesse, les libraires du Québec ont plutôt dévoilé la liste préliminaire des candidats, soit 36 livres destinés aux enfants de 0 à 17 ans, écrits par des auteurs québécois et étrangers. La sélection des finalistes sera annoncé le 12 juin, assure-t-on par voie de communiqué.

@Rastaquoire

Juste à temps pour la sortie en salles du film de Baz Luhrmann, la BBC relance The Great Gatsby: Midnight In Manhattan, un documentaire qui lève le voile sur F. Scott Fitzgerald et son iconique roman.

La pochette du film

Paru en avril 1925, The Great Gatsby est considéré comme le roman qui illustre le mieux le concept du rêve américain, dans ses promesses comme ses désillusions. Si F. Scott Fitzgerald achetait des exemplaires de son propre livre pour stimuler les ventes de son vivant, l’ouvrage a tout de même réussi à traverser le temps, comme le démontre le long-métrage présentement à l’affiche (qui constitue sa cinquième adaptation au grand écran). Que vous soyez familier ou non avec ce classique, le documentaire The Great Gatsby: Midnight in Manhattan de la BBC contient une véritable mine d’informations sur l’auteur, et son œuvre la plus célébrée.

The Great Gatsby: Midnight in Manhattan combine entrevues, extraits du roman et images d’archives pour brosser un portrait de l’écrivain. Sa dernière secrétaire personnelle ou sa petite-fille partagent leurs souvenirs, et évoquent son influence marquante sur la culture américaine. Saviez-vous que Bill Gates a fait peindre une citation du livre au plafond de sa luxueuse demeure? En dehors de ce genre de fait anecdotique, la force du documentaire est de faire appel à des auteurs pour mettre en relief les grands thèmes du livre, dont Christopher Hitchens et Hunter S. Thompson. Ceux-ci explorent également les similitudes entre F. Scott Fitzgerald et son personnage de Jay Gatsby.

Même si le documentaire de la BBC a été produit en l’an 2000 pour souligner le 75e anniversaire de la parution du roman, il conserve toute sa pertinence aujourd’hui. Disponible en format DVD, The Great Gatsby: Midnight in Manhattan ne dure qu’une cinquantaine de minutes. Pour bonifier l’édition, on a inclus le télé-théâtre de Robert Muller, Private Affairs: A Dream of Living, une pièce qui s’inspire du passage à Paris de Fitzgerald, sa femme Zelda, et leur ami Ernest Hemingway. Ce supplément de programme ne possède pas de sous-titres par contre, et l’accent y est assez prononcé.

The Great Gatsby: Midnight in Manhattan accompagne parfaitement le visionnement, ou la lecture, de Gatsby le magnifique, puisque ce documentaire permet de découvrir l’homme derrière la légende, et de mieux apprécier son héritage.

7/10

The Great Gatsby : Midnight in Manhattan
Réalisation : Nicky Pattison
Avec : Tara Fitzgerald, Christopher Hitchens et Hunter S. Thompson
Durée : 49 minutes
Format : DVD
Langue : Anglais seulement (avec sous-titres Anglais pour le programme principal)

Le Théâtre de l’Entonnoir met en scène le tourment d’un homme de croix écartelé entre piété spirituelle et péché corporel. Le Moine se torture ainsi du jeudi au samedi, jusqu’au 25 mai prochain dans la cavité carrelée du Bain Saint-Michel.

Photo: Philippe Nissaire

Le Saint, c’est ainsi que l’on surnomme le moine Ambrosio, tellement saint que la rumeur populaire attribue la pureté de son âme à la Vierge descendue d’en haut.

Ambrosio, (abandon)né sur le pas de la porte d’une abbaye, a ainsi passé trente années à admirer les traits de La Madone avec adoration… 30 ans sans caresses aux portes de la damnation.

Car derrière son idéal, c’est dénudées qu’apparaissent la dame et la tentation ; sous sa robe de bure, c’est déchaînés que se dressent le mâle et la pulsion.

Déchiré entre son Dieu de sévérité et le serpent désiré, l’homme ne résistera pas et perdra peu à peu sa spiritualité en trempant sa corporéité dans le plaisir culpabilisé par le stupre, le sang et le péché, descendant si bas qu’il ne parviendra plus à dissimuler sa noirceur derrière l’apparence de pureté.

C’est ainsi nu, dépouillé des oripeaux de la sainteté, qu’Ambrosio présentera son âme damnée devant la miséricorde moqueuse de la nonne ensanglantée.

C’est en travaillant sur Roméo Castellucci que Louis-Philippe Labrèche découvre Le Rose et le Noir de Carmelo Bene, l’Italien s’étant appuyé sur une traduction du Français Antonin Artaud pour adapter le roman Le Moine, écrit par le Britannique Matthew Gregory Lewis à la fin du XVIIIe siècle.

Le Théâtre de l’Entonnoir part de ces multiples matériaux pour produire sa propre version du Moine, dont l’écriture se retrouve à mi-chemin entre théâtres classique et contemporain, Louis-Philippe Labrèche, Guillaume Thériault et Véronique Poirier travaillant de concert pour adapter Le Moine à leur personnalité.

Jérémie Earp-Lavergne, Chantal Simard, Gabriel Coutu, Simon Fleury, Liliane Fallon, Isabelle Montpetit et Hellen Larouche prennent leur part dans l’interprétation de la tragédie d’un homme s’empêtrant de plus en plus dans ses contradictions tenaillées.

La leçon à en tirer étant le pragmatisme ciel-à-terre à mettre en place entre idéal spirituel désenchanté et désir corporel dégoûté.

Par-delà les astuces scéniques et une utilisation de l’espace intéressantes, une interprétation assez convaincante et une odeur de soufre ambiante, il manque peut-être au Moine un peu du Théâtre de la cruauté; on ne sent ainsi pas assez Ambrosio se consumer, implorer par peur la pitié et pleurer après la perte de son sacré.

Quant au vœu avoué de tracer un parallèle entre Le Moine et l’homme contemporain, il aurait été plus pertinent de tenir l’un et l’autre dans leurs siècles, séparés, pour laisser le spectateur entrer dans un (con)texte d’insoutenable sérieux et de divin vivant, peu en rapport avec notre Dieu mort et notre divertissement.

Reste que le Théâtre de l’Entonnoir nous permet avec Le Moine d’approcher un texte ancien avec un désir et un devoir certains.

Mise en scène et coadaptation: Louis-Philippe Labrèche

Direction de production, administration et coadaptation: Guillaume Thériault

Costumes, scénographie et coadaptation: Véronique Poirier

Assistance à la mise en scène: Mélanie Chouinard

Éclairages et décor: Michel Forget

Chorégraphies: Julie Valois

Musique: Guillaume Couture

Photographie: Philippe Nissaire

theatredelentonnoir.wordpress.com/